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EL QUITASOL

 FICHA TÉCNICA

– El Quitasol

– Francisco de Goya

– Entre el 3 de Marzo y el 12 de agosto de 1777

– 104 cm × 152 cm

– Museo del Prado

DESCRIPCIÓN

Soporte. Es un cartón que realizó Goya sobre lienzo para la elaboración de un tapiz.

Técnica. Óleo

Forma de los elementos. Las líneas de fuerza dibujan casi un triángulo equilátero en el que se enmarca la muchacha. Esta figura geométrica expresa una gran serenidad. Por otro lado, todas las miradas convergen en el rostro de la joven, matizado por una sombra filtrada de suaves tonos verdes creados por el color de la sombrilla. El óvalo de la joven es una elipse regular y en ella se cruzan dos diagonales determinadas por la dirección de la mirada del mozo y la línea del muro de la izquierda, cuya perspectiva se ha forzado para que esta diagonal incida en el buscado centro de atención del cuadro.

Estructura. Posiblemente sea el Quitasol uno de los cartones para tapiz más llamativos de los pintados por Goya. En él hace un bello canto a la juventud, centrando su atención en la sonrisa de la muchacha y en su gesto seductor, mirando abiertamente al espectador para hacernos partícipes del galanteo; tras ella, un joven le quita el sol con una sombrilla de color verde, en el mandil blanco de la joven se acurruca un perrillo negro con una cinta roja. El color en este cuadro, al igual que el de todos los cartones para tapices, es luminoso y contrastado de vivos tonos. Pero es un colorido en el que destaca sobremanera el estudio lumínico con el que hacía pareja, al situar el rostro de la dama en el centro de convergencia de las líneas que estructuran la composición. La faz de la damita se sitúa en primer término, pero en zona de sombra. Los fuertes contrastes de tonos en el hombro del mozo y la matizada difusión de la luz sombreada en el rostro de la joven, están resueltos con una maestría poco común.

CONTENIDO

Tema. Representa a una muchacha sentada en un ribazo, con un perrillo en el regazo; a su lado un muchacho en pie haciéndole sombra con un quitasol.

FINALIDAD

La finalidad es principalmente decorativa, aunque de forma indirecta, ya que sería el tapiz realizado a partir de su cartón el que desarrolla esa función.

AUTOR

Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos 1746 una pequeña aldea de Zaragoza y murió en Burdeos en 1828.

Trabajó en la fábrica  de   tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina «de capricho» e «invención», inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

ESTILO ARTÍSTICO

Francisco de Goya y Lucientes fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

*Colaboración de Javier Cortés Dominguez

 

FICHA TECNICA

 

Título: Jirafa Ardiendo

Autor: Salvador Dalí

Período de ejecución: 1937

Medidas: 35 x 27 cm

Localización: Öffentliche Kunstsammlung, Emanuel Hoffmann-Stiftung (Basilea)

DESCRIPCIÓN y CONTENIDO

Soporte: tabla

Técnica: Óleo

Desde el  punto de vista de la técnica pictórica, esta pequeña tabla no se connsidera uno de los trabajo más destacados de Dalí y aú así se ha convertido en uno de los cuadros más conocidos del siglo XX debido a sus motivos sorprendentes e inteniogoso y a su “proximidad” afectiva.

La jirafa, que no se inmuta lo más mínimo por las llmas del cuello y del lomo, podría simbolizar la armonía animal con la naturaleza.

Ante el azul mágico de la noche se yerguen ocupando espacio de la escena dos figuras femeninas de tamaño superior al natural, con sus cuerpo de longitud excesiva. La mujer del primer plano, vista desde abajo, ocupa el espacio vertical del cuadro hasta el punto que el marco superior cercena su cabeza sin rostro.El otro personaje se recorta de perfil contra el cielo a modo de silueta oscura.

El maniquí del primer plano, de movimientos danzantes, parece caminar sonánbulo y con ciertas dificultades de equilibrio. Ciego y sin rostro, estira las manos hacia adelante tanteando el espacio. Su cuerpo dotyado de cajones es un motivo recurrente en la obra daliniana, presente también enla copia dela Venus de Milo, concebida por el artista, cuyo orginal se considera desde hace siglos el prototipo de belleza escultórica clásica.

 

*Fuente: Wol, N. , Salvador Dalí: 1904-1989, pags 128 – 131

 

AUTORRETRATO, 1919

 

FICHA TÉCNICA

Título: Autorretrato

Autor: Joan Miró

Período de ejecución: 1919

Medidas: 75x 60 cm.

Localización: Museo Picasso (París)

 

 

 

DESCRIPCIÓN:

Soporte: Tela

Técnica: Óleo

CONTENIDO:

Este autorretrato de Miró pertenece a la serie de cuadros “detallistas“, en los cualesel artista combina detalles muy finos y muy bien observados en la realidadcon escenas fantásticas y ornamentales.

El cuadro emana una tranquilidad y claridad admirables. La mirada del pintor se halla fija en un interlocutor imaginario: su reflejo.

Este cuadro se encuentra tranlejos de manifestaciones de sufrimiento interior como de intenciones de dejar el alma al desnudo, ambas tan famosas entre los pintores. Miró aparece aquí muy por encima de toda duda; su tranquilidad y su mirada penetrante alejan de sí cualquier cuestionamiento. Bajo las superficies angulares y cristalinas esconde todas las luchas, discrepancias y altercados a los que se viera confrontado el artista precisamente en sus primero años en París.

Como unpeñasco contra lamarea,esaeslaimpresión que daMiró en estecuadro; aquí no se encuentran experimentos estilísticos tan heterogéneos de otras obras dela misma época. Solamenteel cubismo asomaen él,por cierto deuna formamuy discreta y casi imperceptible.

Este cuadro es la prueba de una inquebrantable voluntad de ser artista, y por eso pertenece al colnjunto de los grandes retratos de artistas; una moderna réplica del ” Autorretrato ” de Dürer (Durero)en el cual se manifiesta el mismo firme convencimiento de estar en el  camino correcto.

Quizá sea por eso que picasso apreciaba tanto el cuadro. Siempre lo mantuvo consigo después de haberlo recibido de las manos de Miró.

*Fuente: Erben. W. y Düchting, H. , Joan Miró : 1893- 1983. Editorial Taschen

 

 

Ficha técnica

 

Nombre del autor: Francisco de Goya

Periodo de ejecución: 1796-1797

Medidas: 21 x 15

Localización: Variada

Descripción

Goya ridiculiza el absurdo árbol genealógico que se le preparo al Príncipe de la Paz, haciéndole descendiente de los reyes góticos de España, relacionados quien sabe por que extraños matrimonios con al familia real. El burro esta sentado en una mesa con escudo-la figura heráldica de un asno-y enseña orgullosamente un libro ilustrado de sus antepasados, una especie de árbol genealógico: vemos asno tras asno, yendo noblemente atrás en el tiempo, sin duda hasta llegar a los asnos de la época del Cid.

Estilo

El aguafuerte era la técnica habitual de los pintores-grabadores en el siglo XVIII, pero la combinación con el aguatinta le permite crear superficies de matizadas sombras merced al uso de resinas de distinta textura, con las que obtiene una gradación en la escala de grises que le permite crear una iluminación dramática e inquietante heredada de la obra de Rembrandt.

Con estos «asuntos caprichosos» —como los llama Leandro Fernández de Moratín, quien con toda probabilidad redactó el prefacio a la edición—, plenos de invención, se trataba de difundir la ideología de la minoría intelectual de ilustrados.

Autor

Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

*Colaboración de Ricardo Gil Sanchez

                                                                    

Ficha técnica:

Nombre: el conjuro o Las brujas

Autor: Francisco de Goya y Lucientes

Periodo de ejecución: 1789

Medidas: 42 X 30 cm.

Localización: museo Lázaro Galdiano

Descripción:

Es un óleo sobre lienzo,  observamos un grupo de brujas vestidas de negro y encapuchadas, con lechuzas sobrevolando sus cabezas y pequeñas figurillas de madera en las manos, las cuales podrían ser usadas en las actividades de magia, en el primer plano apreciamos la figura de un hombre vestido con una túnica blanca, arrodillado, que mira con espanto al grupo de brujas encabezado por una bruja vestida con una túnica amarilla, que podría ser la reina de las brujas, el resto de las brujas realizan diversas acciones, la más vieja, sobre la que se posa una lechuza, lleva un cesto con niños que han sido robados de sus casas. Junto a ella otra bruja, con manto blanco, lee el conjuro alumbrada por una vela. A su lado otra bruja clava un alfiler o aguja en el espinazo de un feto para chupar la sangre, mientras dos murciélagos se agarran a su manto. Su compañera alumbra con una vela de aceite al pobre hombre aterrorizado. Desde la oscuridad del cielo emerge una figura con largos huesos en sus manos, que creemos poder identificar con el diablo. Vemos que es una imagen muy tétrica gracias a un fondo tenebroso y la luz lunar. Las figuras se encuentran en el centro de la composición. Apreciamos que Goya una pincelada rápida adaptándose,  a sus Pinturas Negras.

Otra lectura del cuadro es la siguiente, el protagonista al que han sacado de la cama, esta arrodillado en pleno campo y de noche, víctima del rito que le imponen unos sospechosos sacerdotes con hábito y deformes cubrecabezas, por encima de los cuales resoplan demonios volantes. Estas figuras se podrían interpretar de otro modo como las alucinaciones que amenazan al endemoniado, inútilmente postrado en oración en un intento de liberarse.

Contenido:

Podríamos interpretar que Goya quiere representar a un grupo de brujas que busca llevar al aquelarre a un pobre hombre de camisa blanca que es atormentado por la reina de las brujas.

El efecto dramático de esta composición se potencia por la manera en la que Goya ha empleado el color: a partir de una capa de pintura negra, que puede ocupar la totalidad del lienzo, aplica los colores para ir consiguiendo las zonas de luz reservando el negro del fondo.

Este óleo pertenece a la etapa de madurez del artista. Pertenece a la serie asuntos de brujas.

Dentro de la serie esta obra se relaciona con el aquelarre, “brujos por el aire” y “la cocina de las brujas” por representar conciliábulos y rituales nocturnos de espíritus demoníacos extraídos de las creencias populares; por su contenido se apartan de “Don Juan y el convidado de piedra” y “La lámpara del diablo”, que hacen referencia a dramas teatrales del escritor Antonio Zamora y tienen por tanto un origen mas docto y a modo de cita concreta.

Finalidad:

No es importante comentarla.

Autor y estilo:

El autor es Francisco de Goya y Lucientes, es considerado el padre del arte moderno. Autor muy versátil, Sus obras incluyen, entre otros, grabados, retratos, frescos, caricaturas, tapices, etc.

El estilo de Goya es un estilo muy particular y muy personal que va evolucionando a lo largo de la vida del autor, a lo largo de su vida, Goya atraviesa varias etapas que marcan su estilo.

Dentro de su estilo cabe destacar que la composición de sus cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas, tal desequilibrio es una muestra de la mayor modernidad compositiva.

 *Comentario realizado por Alida Aineto Torguet.