Category: Francisco Goya


EL QUITASOL

 FICHA TÉCNICA

– El Quitasol

– Francisco de Goya

– Entre el 3 de Marzo y el 12 de agosto de 1777

– 104 cm × 152 cm

– Museo del Prado

DESCRIPCIÓN

Soporte. Es un cartón que realizó Goya sobre lienzo para la elaboración de un tapiz.

Técnica. Óleo

Forma de los elementos. Las líneas de fuerza dibujan casi un triángulo equilátero en el que se enmarca la muchacha. Esta figura geométrica expresa una gran serenidad. Por otro lado, todas las miradas convergen en el rostro de la joven, matizado por una sombra filtrada de suaves tonos verdes creados por el color de la sombrilla. El óvalo de la joven es una elipse regular y en ella se cruzan dos diagonales determinadas por la dirección de la mirada del mozo y la línea del muro de la izquierda, cuya perspectiva se ha forzado para que esta diagonal incida en el buscado centro de atención del cuadro.

Estructura. Posiblemente sea el Quitasol uno de los cartones para tapiz más llamativos de los pintados por Goya. En él hace un bello canto a la juventud, centrando su atención en la sonrisa de la muchacha y en su gesto seductor, mirando abiertamente al espectador para hacernos partícipes del galanteo; tras ella, un joven le quita el sol con una sombrilla de color verde, en el mandil blanco de la joven se acurruca un perrillo negro con una cinta roja. El color en este cuadro, al igual que el de todos los cartones para tapices, es luminoso y contrastado de vivos tonos. Pero es un colorido en el que destaca sobremanera el estudio lumínico con el que hacía pareja, al situar el rostro de la dama en el centro de convergencia de las líneas que estructuran la composición. La faz de la damita se sitúa en primer término, pero en zona de sombra. Los fuertes contrastes de tonos en el hombro del mozo y la matizada difusión de la luz sombreada en el rostro de la joven, están resueltos con una maestría poco común.

CONTENIDO

Tema. Representa a una muchacha sentada en un ribazo, con un perrillo en el regazo; a su lado un muchacho en pie haciéndole sombra con un quitasol.

FINALIDAD

La finalidad es principalmente decorativa, aunque de forma indirecta, ya que sería el tapiz realizado a partir de su cartón el que desarrolla esa función.

AUTOR

Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos 1746 una pequeña aldea de Zaragoza y murió en Burdeos en 1828.

Trabajó en la fábrica  de   tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina «de capricho» e «invención», inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

ESTILO ARTÍSTICO

Francisco de Goya y Lucientes fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

*Colaboración de Javier Cortés Dominguez

Ficha técnica

 

Nombre del autor: Francisco de Goya

Periodo de ejecución: 1796-1797

Medidas: 21 x 15

Localización: Variada

Descripción

Goya ridiculiza el absurdo árbol genealógico que se le preparo al Príncipe de la Paz, haciéndole descendiente de los reyes góticos de España, relacionados quien sabe por que extraños matrimonios con al familia real. El burro esta sentado en una mesa con escudo-la figura heráldica de un asno-y enseña orgullosamente un libro ilustrado de sus antepasados, una especie de árbol genealógico: vemos asno tras asno, yendo noblemente atrás en el tiempo, sin duda hasta llegar a los asnos de la época del Cid.

Estilo

El aguafuerte era la técnica habitual de los pintores-grabadores en el siglo XVIII, pero la combinación con el aguatinta le permite crear superficies de matizadas sombras merced al uso de resinas de distinta textura, con las que obtiene una gradación en la escala de grises que le permite crear una iluminación dramática e inquietante heredada de la obra de Rembrandt.

Con estos «asuntos caprichosos» —como los llama Leandro Fernández de Moratín, quien con toda probabilidad redactó el prefacio a la edición—, plenos de invención, se trataba de difundir la ideología de la minoría intelectual de ilustrados.

Autor

Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

*Colaboración de Ricardo Gil Sanchez

                                                                    

Ficha técnica:

Nombre: el conjuro o Las brujas

Autor: Francisco de Goya y Lucientes

Periodo de ejecución: 1789

Medidas: 42 X 30 cm.

Localización: museo Lázaro Galdiano

Descripción:

Es un óleo sobre lienzo,  observamos un grupo de brujas vestidas de negro y encapuchadas, con lechuzas sobrevolando sus cabezas y pequeñas figurillas de madera en las manos, las cuales podrían ser usadas en las actividades de magia, en el primer plano apreciamos la figura de un hombre vestido con una túnica blanca, arrodillado, que mira con espanto al grupo de brujas encabezado por una bruja vestida con una túnica amarilla, que podría ser la reina de las brujas, el resto de las brujas realizan diversas acciones, la más vieja, sobre la que se posa una lechuza, lleva un cesto con niños que han sido robados de sus casas. Junto a ella otra bruja, con manto blanco, lee el conjuro alumbrada por una vela. A su lado otra bruja clava un alfiler o aguja en el espinazo de un feto para chupar la sangre, mientras dos murciélagos se agarran a su manto. Su compañera alumbra con una vela de aceite al pobre hombre aterrorizado. Desde la oscuridad del cielo emerge una figura con largos huesos en sus manos, que creemos poder identificar con el diablo. Vemos que es una imagen muy tétrica gracias a un fondo tenebroso y la luz lunar. Las figuras se encuentran en el centro de la composición. Apreciamos que Goya una pincelada rápida adaptándose,  a sus Pinturas Negras.

Otra lectura del cuadro es la siguiente, el protagonista al que han sacado de la cama, esta arrodillado en pleno campo y de noche, víctima del rito que le imponen unos sospechosos sacerdotes con hábito y deformes cubrecabezas, por encima de los cuales resoplan demonios volantes. Estas figuras se podrían interpretar de otro modo como las alucinaciones que amenazan al endemoniado, inútilmente postrado en oración en un intento de liberarse.

Contenido:

Podríamos interpretar que Goya quiere representar a un grupo de brujas que busca llevar al aquelarre a un pobre hombre de camisa blanca que es atormentado por la reina de las brujas.

El efecto dramático de esta composición se potencia por la manera en la que Goya ha empleado el color: a partir de una capa de pintura negra, que puede ocupar la totalidad del lienzo, aplica los colores para ir consiguiendo las zonas de luz reservando el negro del fondo.

Este óleo pertenece a la etapa de madurez del artista. Pertenece a la serie asuntos de brujas.

Dentro de la serie esta obra se relaciona con el aquelarre, “brujos por el aire” y “la cocina de las brujas” por representar conciliábulos y rituales nocturnos de espíritus demoníacos extraídos de las creencias populares; por su contenido se apartan de “Don Juan y el convidado de piedra” y “La lámpara del diablo”, que hacen referencia a dramas teatrales del escritor Antonio Zamora y tienen por tanto un origen mas docto y a modo de cita concreta.

Finalidad:

No es importante comentarla.

Autor y estilo:

El autor es Francisco de Goya y Lucientes, es considerado el padre del arte moderno. Autor muy versátil, Sus obras incluyen, entre otros, grabados, retratos, frescos, caricaturas, tapices, etc.

El estilo de Goya es un estilo muy particular y muy personal que va evolucionando a lo largo de la vida del autor, a lo largo de su vida, Goya atraviesa varias etapas que marcan su estilo.

Dentro de su estilo cabe destacar que la composición de sus cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas, tal desequilibrio es una muestra de la mayor modernidad compositiva.

 *Comentario realizado por Alida Aineto Torguet.

LA FAMILIA DE CARLOS IV

FAMILIA DE CARLOS IV

 

 

Ficha Técnica:                                                

Título: Familia de Carlos IV

Autor: Goya

Período de ejecución: 1800-1801

Medidas: 280 x 336 cm

Localización: Museo del Prado (Madrid)

 La familia de Carlos IV

Descripción:

-Soporte: Lienzo

-Técnica: óleo

En este cuadro Goya retrató a la familia de Carlos IV. Cada personaje fue retratado por separado sobre un fondo rojo, de esta manera, Goya pudo concentrarse y captar sus expresiones y gestos.

Los adultos muestran expresiones poco alegres, están representados con fealdad y poca majestuosidad, con esto Goya pretende hacer una crítica: mostrar realmente como es la monarquía. Pese a la fealdad, resalta la suntuosidad de las joyas y los trajes de los personajes.

Esta escena está envuelta en un ambiente distendido, más bien burgués y cotidiano.

Contenido:

En el centro se encuentra la reina acompañada de sus dos hijos. Al lado se encuentra el rey Carlos IV. En la parte izquierda del cuadro está el príncipe sucesor, Fernando, vestido de azul junto a su prometida, representada con la cabeza vuelta hacia atrás por no pertenecer en ese momento a la familia real.

Detrás del rey se encuentran, casi ocultos, su hermano Antonio y su esposa Dña. Carlota. Delante de estos, están el príncipe de Parma y su esposa con su hijo en brazos.

Goya se autorretrata ante su caballete. Cabe destacar un detalle importante: la cabeza de Goya está a la misma altura que la de los reyes, por lo que este se autorretrata como un observador y director independiente de la escena (no como un simple cortesano)

Al retratarse a la izquierda, el autor pretende hacer una alusión al cuadro de “Las Meninas” de Velázquez.

Finalidad:

Este cuadro es un encargo de la familia real, por lo que principalmente tiene la función de enaltecer el prestigio de la monarquía en ese momento, aunque mediante este cuadro Goya intenta hacer una crítica de la realeza, mostrando a sus componentes tal y como son.

Autor:

Es un artista que refleja en sus obras distintos estilos pictóricos, sin seguir ningún modelo, por lo que se muestra innovador e investigador, con un estilo propio y personal. Fue pintor de de los monarcas borbónicos y recibió muchos encargos de la burguesía. Destacó por marcar las pautas del arte contemporáneo.

Estilo:

Este cuadro es del S. XIX. No pertenece a ningún estilo en general, pues su autor, Goya, se caracteriza por tener un estilo muy propio. Este cuadro fue realizado en su etapa de madurez, en la que destacó por sus retratos monárquicos y su técnica de pincel, basada en la mancha.

 *Comentario realizado por Katerina Chatzinikolaou Laborda

 

      Ficha técnicaTítulo: Saturno devorando a su hijo

Autor: Francisco de Goya

Período de ejecución: 1821- 1823

Medidas: 146×83

Localización: Museo del Prado, Madrid

 

 Saturno devorando a su hijo 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Descripción

Antiguamente se trataba de un fresco pintado en la pared de la quinta del sordo, pero posteriormente y a petición de un comprador se traspasó a un óleo sobre lienzo. Este cuadro pertenece a la serie de pinturas negras de Goya. Es una pintura figurativa en la que se muestra al dios Saturno, devorando a uno de sus hijos con cuerpo ya adulto.

El cuerpo de Saturno ocupa la gran parte del cuadro, está de cuclillas con la boca abierta y desmelenado, mientras come uno d los brazos de su hijo. El hijo es un cuerpo inerte en manos de su padre, sin cabeza, sin uno de sus brazos y a punto de  perder el otro.El punto de mayor luz del cuadro (recibida desde la izquierda) es el cuerpo del hijo que además ostenta el color más claro, así como el más intenso; en el resto del cuadro predominan los colores ocres, marrones y grises.

Contenido

Los romanos identificaban a Saturno, antigua divinidad agrícola, con el dios griego Cronos, hijo de Urano (el cielo)  y de Gea (la madre tierra), que tras expulsar a su padre se hizo dueño del mundo. Se casó con Rea y tuvo varios hijos, pero su madre le advirtió que uno de ellos le arrebataría el poder y devoró a todos salvo a Júpiter, a quien Rea consiguió poner a salvo en Creta y que posteriormente le destronaría. Este cuadro representa a Saturno devorando a uno de sus hijos según la leyenda.

Las interpretaciones han sido diversas. Por un lado se piensa que se busca reflejar la melancolía y destrucción, es un grito ante la decrepitud y la soledad salido de las más profundas honduras del alma. Por otro lado algunos ven en esta pintura una alegoría del Santo Oficio o del poder absolutista de Fernando VII.

Finalidad

Cuando Goya realiza estas obras se encuentra en la quinta del sordo enfermo. Las pinturas negras que realiza durante esta época no tienen ninguna finalidad económica ni de exhibición, sino que en ellas Goya deja fluir su imaginación a través del pincel y los personajes que crea. Estos personajes son grotescos y fantásticos.

Se les puede atribuir una función decorativa. La pintura estaba situada en la planta baja de su casa en la quinta del sordo, sobre un muro de la entrada, junto a otro cuadro llamado Judith y Holofernes, donde también se presenta el tema de la mutilación del cuerpo humano.

Autor

Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos 1746 una pequeña aldea de Zaragoza y murió en Burdeos en 1828. Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Trabajó en la fábrica  de   tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina «de capricho» e «invención», inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Estilo Artístico

Goya pintó esta serie de obras, las pinturas negras, durante el trienio liberal (1820- 1823), una época con mucha más libertad y en la que se puso en funcionamiento la constitución de 1812. Durante esta época su estilo es mucho más desgarrador y violento, con tonos oscuros y ocres y temas, más alejados de su función de pintor de cámara. Es su época más imaginativa. Posteriormente y a la vuelta de Fernando VII al poder tuvo que exiliarse a Francia, en los últimos años de su vida..

*Colaboración de Elisa Buetas Gistau