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UN CHIEN ANDALOU

Durante los días de Navidad de 1928, Dalí y Buñuel escribieron en Cadaqués el guión de la película muda “Un chien adanlou”. Aunque lo gracioso es que en la película no aparece ningún perro.

El rodaje del filme,financiado por la madre de Buñuel, se realizó en París.

El cineasta le pidío a Dalí que recogiera unas cuantas hormigas en Cadaqués y se las llevara,pues en Parísnoencontraba dichos insectos.

Las hormigas tenían que salirde unagujero situado en la mano del protagonista de la película.Los detalles de estasecuencia ya dejan claro el tipo de efectos chocantes con que los que  iba a contar la cinta.

También es significativo el texto introductorio que aparece en la pantalla.Viene adecir que se había rechazado de inmediato cualquier imagen y cualquier idea procedentes de los recuerdos o del entorno cultural de los autores. Habían aceptado como válidas exclusivamente aquellas imágenes, que aún examinadas en profundidad, no ofrecieran posibilidad alguna de explicación. Además se renunció a las limitaciones habituales del decoro o el sentido común.

Así pues, el contenido de esta cinta no puede explicarse, sino simplemnte recapitularse en secuencias. Al inicio de la película, un hombre interpretado por Buñuel afilauna navaja de afeitar y observa una delgada nube que se aproxima a la luna. A continuación se ven los ojosmuy abiertos de una joven (Simone Mareuil) y la escena más famosa del filme: lanavaja de afeitar seccionando un ojo, que se ha interpretado como una alusión al nervio de la vista, como la destrucción de la percepción cotidiana en sí misma.

El carácter chocante de esta escena servía para crear en los espectadores un estado de ánimo que los preparase para asimilar los extravagantes acontecimientos que venían a continuación.

Tras la escena de las hormigas, sigue un staccato de pesadillas, comom la secuencia en la que un hombre arrastr por la habitación dos pianos de cola con dos burro muertos encima de cada uno.

Dalí tildó el cortometraje,sonorizado con ritmosdetango y música wagneriana de “Tristám e Isolda”, de <<película juventud y muerte>>. En efecto lo es, pero cabe añadir que constituye un paradigma de la novedosa estética surrealista.

*Fuente: Wolf, A. ( 2008 )Dalí y el cine: 1904 – 1989, en Salvador Dalí (pag. 92). Editorial Parragon.

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LA FAMILIA DE CARLOS IV

FAMILIA DE CARLOS IV

 

 

Ficha Técnica:                                                

Título: Familia de Carlos IV

Autor: Goya

Período de ejecución: 1800-1801

Medidas: 280 x 336 cm

Localización: Museo del Prado (Madrid)

 La familia de Carlos IV

Descripción:

-Soporte: Lienzo

-Técnica: óleo

En este cuadro Goya retrató a la familia de Carlos IV. Cada personaje fue retratado por separado sobre un fondo rojo, de esta manera, Goya pudo concentrarse y captar sus expresiones y gestos.

Los adultos muestran expresiones poco alegres, están representados con fealdad y poca majestuosidad, con esto Goya pretende hacer una crítica: mostrar realmente como es la monarquía. Pese a la fealdad, resalta la suntuosidad de las joyas y los trajes de los personajes.

Esta escena está envuelta en un ambiente distendido, más bien burgués y cotidiano.

Contenido:

En el centro se encuentra la reina acompañada de sus dos hijos. Al lado se encuentra el rey Carlos IV. En la parte izquierda del cuadro está el príncipe sucesor, Fernando, vestido de azul junto a su prometida, representada con la cabeza vuelta hacia atrás por no pertenecer en ese momento a la familia real.

Detrás del rey se encuentran, casi ocultos, su hermano Antonio y su esposa Dña. Carlota. Delante de estos, están el príncipe de Parma y su esposa con su hijo en brazos.

Goya se autorretrata ante su caballete. Cabe destacar un detalle importante: la cabeza de Goya está a la misma altura que la de los reyes, por lo que este se autorretrata como un observador y director independiente de la escena (no como un simple cortesano)

Al retratarse a la izquierda, el autor pretende hacer una alusión al cuadro de “Las Meninas” de Velázquez.

Finalidad:

Este cuadro es un encargo de la familia real, por lo que principalmente tiene la función de enaltecer el prestigio de la monarquía en ese momento, aunque mediante este cuadro Goya intenta hacer una crítica de la realeza, mostrando a sus componentes tal y como son.

Autor:

Es un artista que refleja en sus obras distintos estilos pictóricos, sin seguir ningún modelo, por lo que se muestra innovador e investigador, con un estilo propio y personal. Fue pintor de de los monarcas borbónicos y recibió muchos encargos de la burguesía. Destacó por marcar las pautas del arte contemporáneo.

Estilo:

Este cuadro es del S. XIX. No pertenece a ningún estilo en general, pues su autor, Goya, se caracteriza por tener un estilo muy propio. Este cuadro fue realizado en su etapa de madurez, en la que destacó por sus retratos monárquicos y su técnica de pincel, basada en la mancha.

 *Comentario realizado por Katerina Chatzinikolaou Laborda

 

      Ficha técnicaTítulo: Saturno devorando a su hijo

Autor: Francisco de Goya

Período de ejecución: 1821- 1823

Medidas: 146×83

Localización: Museo del Prado, Madrid

 

 Saturno devorando a su hijo 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Descripción

Antiguamente se trataba de un fresco pintado en la pared de la quinta del sordo, pero posteriormente y a petición de un comprador se traspasó a un óleo sobre lienzo. Este cuadro pertenece a la serie de pinturas negras de Goya. Es una pintura figurativa en la que se muestra al dios Saturno, devorando a uno de sus hijos con cuerpo ya adulto.

El cuerpo de Saturno ocupa la gran parte del cuadro, está de cuclillas con la boca abierta y desmelenado, mientras come uno d los brazos de su hijo. El hijo es un cuerpo inerte en manos de su padre, sin cabeza, sin uno de sus brazos y a punto de  perder el otro.El punto de mayor luz del cuadro (recibida desde la izquierda) es el cuerpo del hijo que además ostenta el color más claro, así como el más intenso; en el resto del cuadro predominan los colores ocres, marrones y grises.

Contenido

Los romanos identificaban a Saturno, antigua divinidad agrícola, con el dios griego Cronos, hijo de Urano (el cielo)  y de Gea (la madre tierra), que tras expulsar a su padre se hizo dueño del mundo. Se casó con Rea y tuvo varios hijos, pero su madre le advirtió que uno de ellos le arrebataría el poder y devoró a todos salvo a Júpiter, a quien Rea consiguió poner a salvo en Creta y que posteriormente le destronaría. Este cuadro representa a Saturno devorando a uno de sus hijos según la leyenda.

Las interpretaciones han sido diversas. Por un lado se piensa que se busca reflejar la melancolía y destrucción, es un grito ante la decrepitud y la soledad salido de las más profundas honduras del alma. Por otro lado algunos ven en esta pintura una alegoría del Santo Oficio o del poder absolutista de Fernando VII.

Finalidad

Cuando Goya realiza estas obras se encuentra en la quinta del sordo enfermo. Las pinturas negras que realiza durante esta época no tienen ninguna finalidad económica ni de exhibición, sino que en ellas Goya deja fluir su imaginación a través del pincel y los personajes que crea. Estos personajes son grotescos y fantásticos.

Se les puede atribuir una función decorativa. La pintura estaba situada en la planta baja de su casa en la quinta del sordo, sobre un muro de la entrada, junto a otro cuadro llamado Judith y Holofernes, donde también se presenta el tema de la mutilación del cuerpo humano.

Autor

Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos 1746 una pequeña aldea de Zaragoza y murió en Burdeos en 1828. Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Trabajó en la fábrica  de   tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina «de capricho» e «invención», inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Estilo Artístico

Goya pintó esta serie de obras, las pinturas negras, durante el trienio liberal (1820- 1823), una época con mucha más libertad y en la que se puso en funcionamiento la constitución de 1812. Durante esta época su estilo es mucho más desgarrador y violento, con tonos oscuros y ocres y temas, más alejados de su función de pintor de cámara. Es su época más imaginativa. Posteriormente y a la vuelta de Fernando VII al poder tuvo que exiliarse a Francia, en los últimos años de su vida..

*Colaboración de Elisa Buetas Gistau

Ficha técnicaTítulo de la obra: Relojes blandos o Persistencia de la memoria

Nombre del autor: Salvador Dalí

Período de ejecución: 1931

Medidas: 24 x 33 cm.

Localización: Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA)                   

 Los relojes blandos

Descripción

 

El fondo es la bahía rocosa de Port Lligat. Retenidos por una extensa llanura, aparecen yuxtapuestos elementos diferentes que provocan el asombro del espectador tanto por su heterogeneidad como por su singular aspecto.

El retrato del pintor, que aparece en primer plano, se asimila a un caracol arrastrándose por el suelo, cuyo cuerpo se pierde en la oscura arena como huella de color. Tres de los relojes de oro y plata representados en primer plano son blandos se adaptan al cuerpo del caracol y cuelgan de la rama de un árbol sin hojas y del borde del resalto de una pared. El único reloj que parece conservar su consistencia normal está pintado en rojo y es devorado por las hormigas reunidas a su alrededor.

 

Contenido

 

En el cuadro de Dalí no se cuestionan sólo la materialidad de lo representado, su color y su congruencia; también los signos del tiempo experimentan un cambio profundo, difícilmente comprensible desde el punto de vista racional. El tiempo fugitivo, que asimismo tiene su expresión simbólica en el cuerpo del caracol en disolución, autorretrato del pintor, no se refleja sólo en el avance de las manecillas, sino en la fusión de los relojes. A su vez, el reloj rojo invadido de hormigas es como una señal de alarma que llama la atención sobre la muerte, lo mismo que el esqueleto de árbol de la parte izquierda del cuadro.

Autor

 

Dalí era genial, egocéntrico, excéntrico, rebelde y gran provocador. Dalí, que en vida disfrutó de las mieles del éxito, fue uno de los artistas más sobresalientes del siglo XX. Sus pinturas y esculturas se vendieron mucho. Dalí intentó y consiguió con gran éxito no pasar nunca inadvertido.

 

Estilo artístico

La obra es, dentro de las vanguardias del siglo XX (de corta duración), de estilo surrealista nacido después de la primera posguerra en el Manifiesto del surrealismo (1924) de André Breton. Este estilo se relaciona con el inconsciente, la locura, las alucinaciones y los sueños. Los precedentes de este estilo los encontramos en las obras de El Bosco, Arcimboldo y Goya (Pinturas Negras de la Quinta del Sordo). Este movimiento adquiere un carácter afirmativo ya que desea construir una realidad basada en la síntesis de contrarios. Entiende la vida y el arte como un estado de tensión entre lo posible y lo imposible, el bien y el mal, lo pasado y lo futuro, lo racional y lo irracional, lo consciente y lo inconsciente, como manifestaciones del dualismo humano.

*Colaboración de Fernando Rufas Ollero

 

  FICHA TÉCNICATítulo: El carnaval del ArlequínAutor: Joan Miró

Período de ejecución: 1924 – 1925

Medidas: 66 x 93 cm

Localización: Galería de arte : The Albright – Knox (Búfalo)

 Carnaval del arlequín

DESCRIPCIÓN

 Se trata de una composición figurativa realizada sobre lienzo mediante la técnica del óleo. En el cuadro aparecen innumerables figuras sobre fondo ocre.

Aparecen objetos y signos que afluyen, se cruzan y se interpelan, como si de un juego se tratase.

Un autómata guitarrista y un arlequín con bigote y pipa humeante, que representa al campesino catalán, desempeñan los papeles principales.

Alrededor los gatos juegan con una pelota de lana, aves del paraíso ponen huevos de los que salen extravagantes mariposas, peces voladores se dirigen al encuentro de cometas, un insecto escapa de un dado, un mapamundi espera sobre la mesa deformada.

A la izquierda observamos como una oreja humana se cuelga de una escalera y mira con un ojo minúsculo entre sus peldaños. Aparecen ojos que se abren sobre cubos cilindros y conos que tapizan el suelo como juguetes fabulosos y vivientes.

A la derecha encontramos una ventana que deja entrever un triángulo negro, una llama roja, un sol y el azul del cielo. Hay numerosos pájaros, un pez, unas escuadras, llamas… Es fácil ver alguna metamorfosis de la saeta, como cuando es asimilada al pájaro en la parte izquierda o cuando toma gorma de barómetro a la derecha para atravesar el globo sideral.

 

CONTENIDO

En esta obra triunfa lo maravilloso de la infancia, lo caprichoso y lo fantástico. La saeta es una especie de conciencia del espacio. Cabe destacar que el número de objetos fantásticos es innumerable, por lo que el cuadro presenta una gran capacidad imaginativa por parte del autor. La complejidad de este cuadro invita a fijarse en todos los detalles que aparecen en el mismo, en la minuciosidad de los objetos.

 

FINALIDAD

Carece de una finalidad concreta.

AUTOR

 

El mismo pintor explica que hizo dibujos en los que expresaba las alucinaciones que le había causado el hambre. Llegaba por la noche a su casa sin haber comido nada y anotaba en un papel sus sensaciones. Se relacionaba con poetas porque sentía que necesitaba ir más allá de lo que es el dibujo en sí. Por la fantasía de sus cuadros se caracterizo por frívolo e infantiloide. 

 

ESTILO ARTÍSTICO


Esta obra pertenece al movimiento surrealista perteneciente a las vanguardias de la primera mitad del s. XX. Se caracteriza por su temática relacionada con la locura y las alucinaciones, a través de la cual los artistas manifiestan representaciones subjetivas de lo desconocido producto de su imaginación.

*Comentario realizado por Katerina Chatzinikolaou Laborda